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¡Mira lo que creamos juntos! Rizomarte fue ahora hasta una de las ciudades más hermosas de México, Guadalajara, para conocer el Proyecto Macoalt de Ruy Fernando Estrada Rivera. Un cómic virtual, muy divertido pero sobre todo lleno de creación en el que el escenario es la unión de dos mundos, el cielo y la tierra. Esta mezcla ocasiona sorpresas y mundos muy distintos a los que estamos acostumbrados, pareciera la creación de un limbo latinoamericano. Es muy interesante cómo logra trasmitir toda la investigación que hay detrás en las historias debido a que sus personajes son multifacéticos y variados. Pero sobre todo, utiliza muy bien los recursos descriptivos de los dioses mexicas, lo cual les da un toque especial a sus personajes y a las historias. Sin duda es un cómic que rompe algunos esquemas convencionales en su género. La influencia de Ruy Fernando por los mitos prehispánicos, marca una pauta muy valiosa ya que resalta lo que la cultura hace: regresa a un pasado para entender nuestros hábitos, tradiciones, nuestras raíces, algunos de los posibles orígenes. Incentiva a entendernos. Lo que nos sensibiliza por los acontecimientos diarios de México, sin perder de vista todo lo que comparte con otras culturas. Es detallista y le exige al lector conocer más de otra cultura, pero también es ameno para quien lo lea, aún desconozca el contexto. Espero disfrutes de esta charla tanto como yo. Imagen de la novela "El día que el sol se nos cayó" (http://www.macoatl.com/el-dia-que-el-sol-se-nos-cayo.html) R= Cuéntanos ¿porqué elegiste especializarte en el cómic? M= Siempre me ha gustado crear personajes y contar historias, el cómic (en particular el cómic en línea) se me hace la manera ideal pues es algo que una persona sola puede hacer para transmitir estas idea. R= ¿Cuándo comienzas a interesarte en dichas técnicas? M= Aunque ya hacía cómics personales, no fue hasta el último año de mi carrera cuando empecé a hacer cómic con el objetivo de compartirlos. R= ¿Cuáles son los alcances del cómic? M= Como son increíbles, en particular en estos días. Es para mí una manera de comunicación muy universal a la cual sólo la detiene el lenguaje (y si se hacen cómics sin palabras tiene mucho más alcance) R= ¿Porqué consideras que tu trabajo puede utilizar ambos manga y cómic? M= ¿Te refieres al cómic y el manga? Si es así, más que creer que puedo utilizar los dos, creo que es un punto intermedio pues tengo influencias muy grandes entre ambos. R= ¿Cuáles son las cualidades que resaltas de ambos? M= Del lado del cómic, creo que los personajes icónicos (gráficamente) y del lado del manga el dinamismo de los paneles. R= ¿Cómo se puede complementar el cómic o que complementa el cómic? M= Creo que el siguiente paso es hacer motion-comics o comics interactivos aprovechando los beneficios de estar en línea. Tengo cosas planeadas, sólo que estas técnicas requieren más tiempo y habilidades. Título: Los últimos días del rey gato R= ¿Qué te interesa de este tipo de expresión artística? M= El poder agregar la interacción con el público, así como el timming a un cómic tradicional. R= ¿Cuál es tu perspectiva del manga en México, qué opinas de las producciones que existen? M= Aún no he conocido un manga mexicano que no se sienta como copia de los orientales (Mientras que cómics ya hay varios con esencia muy mexicanas) Puede que simplemente no conozca lo suficientes. Pero siento que los autores de manga nacionales aún no han logrado hacer algo con este medio que trascienda a nivel nacional. R= ¿Y cuáles son las que tu más consumes? M= Los cómics que más leo son en general webcomics, en español soy fán de Moco-comics, Muerte Querida y Willyman; en Ingles Ravensdojo, Dinosaurcomics, Lets Speak English y Beaver and Steve. R= ¿Qué autores te inspiran y te han aportado en tu formación? De chico leía muchas tiras cómicas de periódicos, pero mis mayores influencias son Peanuts, Asterix, Dragonball y Garfield. R= ¿A qué te enfrentaste al producir cómic? M= Hasta el momento mi mayor reto es lograr que esto sea una profesión y no simplemente un hobby (quisiera realmente poder vivir de crear mis propios contenidos, pero por el momento tengo que conformarme con sobrevivir dibujando lo de otros mientras trabajo en lo mío) Personajes de Macoatl (www.macoatl.com) R= Cuéntanos acerca de Macoatl, cómo fue que surgió, porque lo nombraste así, en qué consiste? M= Hace ya casi 10 años salió una convocatoria en un periódico local para una tira cómica, que aparecería en la sección de restaurantes. Resulta que en un proyecto más grande que tenía, había un restaurante como locación recurrente, así que pitchie eso al periódico y lo aceptaron. Con los años pude ir introduciendo más elementos de mi proyecto inicial a la tira, hasta que el formato me quedó corto y tuve que dejar el periódico por lo mismo. El proyecto de llama así pues es el nombre del restaurante donde se desarrolla la acción (de hecho por mucho tiempo se llamó Restaurante Macoatl, pero lo acorte pues la gente pensaba que era publicidad de un restaurante de verdad). Horóscopos Coatlatelca (http://www.macoatl.com/?archivo) R= ¿Cuál fue tu principal reto para la investigación de la realización de Macoatl? M= Reto-reto nunca lo ha habido, pues yo ya investigaba mucho sobre las temáticas que tiene Macoatl (culturas prehispánicas, dinosaurios, mitología, videojuegos) aun antes de empezar el proyecto. Más que nada crearlo me dio un lugar para vaciar todas las ideas que iban surgiendo en mi. R= ¿Cuál fue el valor que encontraste en la temática? M= Pues el poder contar el tipo de historias que a mí me gustaría leer pero que no encontraba en el mercado. R= ¿En qué cultura Prehispánica te basaste, por qué la elegiste? M= Más que nada en la cultura mexica, y la razón principal es que es de la que más información encontraba. R= ¿Cómo es que generas el guión y las historias? M= Cargo siempre libreta y lápiz, y ahí voy anotando todo lo que se me va ocurriendo, tengo historias ahí para rato, normalmente voy un par de años atrás entre que se me ocurre algo y llega al cómic (lo cual también ayuda a que maduren las ideas). R= Describe cómo fue que creaste a tus personajes: M= Varía mucho de personaje a personaje; algunos nacieron de un boceto y ahí se quedaron hasta que se me ocurrió que función podía darles en el cómic. Otros nacieron de una necesidad, necesitaba un personaje que cumpliera esa función, por lo que me puse a trabajar en esa idea y la agregue al proyecto. Bocetos como parte del ejemplo creativo : (https://www.facebook.com/macoatl/photos/a.227218750667154.77410.187644111291285/1259238354131850/?type=3&theater) R= ¿Por qué tu proyecto habla de Dioses, en qué dioses te inspiraste? M= Más que nada en los dioses de la cultura Mexica, pero quise evitar a los súper populares (Quetzalcóatl y Tláloc) y aparte cubrir los 4 elementos. R= ¿Cuáles son las características de tus personajes femeninos? M= Pues no sé, siento que son todos muy distintos y no creo que pueda dar un término que las englobe a todas. Personajes son personajes, sean femeninos o masculinos, y como dije casi todas están ahí por una razón en particular, ya sea expresar una parte de mí; hacer una observación o simplemente un chiste. R= ¿y cuál es el concepto de Dios y Diosa para ti ? M= Un ser que está en otro plano de existencia completamente distinto a uno y con la capacidad de hacer y deshacer cosas a voluntad. R= ¿Qué opinas de la transmisión de la cultura a través del arte visual? M= Los medios audiovisuales son una increíble herramienta de enseñanza y transmisión del conocimiento, pues son mucho más amigables y directos a la hora de transmitir una idea. Y como dije antes, si uno los logra hacer mudos son casi universales. R= ¿Cuánto tiempo tardas en crear cada personaje, que recursos visuales utilizas? M=Varia de personaje a personaje, algunos salen al primer garabato; otros tardan años en gestarse de manera correcta. En cuanto a mis personajes siento que ninguno está terminado, pues siguen desarrollándose con cada obstáculo que les pongo. R= ¿Qué buscas transmitir por medio de ellos? M= Más que nada mis opiniones, puntos de vista y cosas que se me ocurren. A veces no son cosas que yo haría/diría, pero si cosas que pienso otros harían. R= ¿Qué importancia tiene el mito para ti y qué nos puedes decir de su transcendencia en nuestra cultura? M= Creo que le da esperanza a la gente, y que es importante que la gente tenga esperanza. R= ¿Qué relevancia tiene el cómic y el manga en México? M= El cómic ha avanzado mucho en los últimos años y creo que cada día se vuelve una mejor herramienta de comunicación y es mejor valorada. El manga en México creo que aún no ha logrado trascender, pues cuando pasa a ser más que una imitación de los orientales deja de sentirse Manga y si se mantiene similar, no trasciende. Es un balance difícil de lograr y no creo que alguien que conozca lo haya alcanzado al momento. R= ¿Qué otros proyectos tienes? M= Varios, los que ya están bastante avanzados y que sólo los detiene la falta de recursos (tiempo y/o Dinero) son: FAUSTO; un proyecto de largometraje animado que llevo muchos años armando con mi estudio; RAYAH la genio; otro cómic basado en uno de mis personajes, que no logro empezar pues mi tiempo libre no me da abasto para hacer un segundo comic grande; COSAS QUE DICEN; serie de cartones auto-contenidos que estuve haciendo los pasados dos años con el objetivo de decir cualquier cosa que se me ocurriera y que no encajara en Macoatl, lo detuve pues sentí me empezaba a repetir y hacer dos comics (5 entregas a la semana) estaba empezando a calarme en la salud; EL PITAYO, una segunda novela gráfica de Macoatl probablemente en un par de años habré encontrado la manera de incorporarla a mi producción de comic; KAIRA DE COATLÁN; serie de Motion comics para la red que cuentan desde la caída de la ciudad de Coatlán hasta la fundación del restaurante Macoatl, va avanzando muy lentamente por la falta de recursos; y muchos otros en etapas más tempranas de concepción, como verás no paro por ideas. *** Ruy es Ilustrador, artista del cómic , animador y Arquitecto egresado de la Universidad de Guadalajara en el 2002 y la Maestría de Animación en el 2007 de la universidad 3DMX. El arte de Ruy Fernando esta altamente influenciado por el arte prehispánico del que retoma su vibrante paleta de colores y minucioso cuidado a la composición y ritmo. Desde el 2005 ha publicado para UDON, La revista CUAASD, MAD México, Nintendo Force y Grupo Milenio. Del 2005 al 2015 publico la tira cómica Restaurante Macoatl, la cual aparecía semanalmente en el suplemento Ocio del Milenio Jalisco Es socio fundador de Estudio Haini, En donde ha participado en varios cortos y largometrajes animados. Actualmente participa como ilustrador en la popular serie de Youtube “Curiosamente”. En su trayectoria como artista de cómic destacan los siguientes premios: Concurso de Caricatura Joven (Periódico El Tren, 2005 con su tira cómica Crónicas de Coatlán); Premio julio Verne 2006 (Gobierno Municipal de Guadalajara, por su comic BIS); 2do lugar festival Ecofilms (Animación, 2013 por su cortometraje "El Funeral de Don Jején); Mención Honorífica Premio Paula Benavides 2013 (por "Sopa de Jal" libro interactivo); Diseño de la mascota de la Via Recreactiva 2014 (Guadalajara); Premio Butze-Vargas (mejor tira cómica 2014 por su tira cómica "Restaurante Macoatl") y seleccionado para el festival Ideatoon en el 2015 (por su proyecto de serie Animada "Kaira contra pitayo". En la actualidad Ruy Fernando sigue publicando sus cómics en la página oficial macoatl.com y fanpage Facebook, #México #cómic #plástica

Si en algún momento de tu vida, te preguntaran ¿cómo intervenir tu espacio? ¿Qué harías, a qué recurrirías? ¿Te lo has preguntado? ¿Qué es lo primero que se te viene a la mente? No es mi intención llenarte de preguntas, es más bien una propuesta. Y es que ahora abordaremos un tema muy especial que tiene que ver con el arte urbano, la intervención del espacio con una perspectiva de opinión, reflexión de antecedentes colectivos; en donde la experiencia marcan a quienes crean y a quienes la habitan, logrando un sentido comunitario. -sin importar país, o religión- por lo tanto la expansión es sin duda una vertiente. Porque el arte es visto como un ejecutante de la expresión, de lo que está oculto o expuesto, aquel interlocutor que dialoga y crea un medio para comunicarnos. Mayte Ángeles realizó una intervención en el barrio del Oeste con el proyecto artístico titulado “El Barrio Florece” que consistió en recoger los deseos que sus vecinos, así como la imagen que estos tienen del espacio en el que viven, juntándolos en una misma expresión artística: las flores blancas elaboradas con bolsas de plástico recicladas. Su presencia en la USAL se debió al Programa de Capacitación en Métodos de Investigación SEP-UNAM-FUNAM 2016, coordinado por la Oficina de Representación de la USAL en México, y la Dirección General de Cooperación e Internacionalización de la UNAM. La artista ejecutó el proyecto dentro de las actividades propuestas en el Máster en Regeneración, Rehabilitación y Diseño de la Universidad de Salamanca, formando parte de las tareas de su estancia de investigación; actividad que fue posible gracias a la mediación de los profesores de la Universidad de Salamanca y tutores de la alumna, María Sortino y Luis Barrero, así como de la Asociación ZOES, gestora de las actividades culturales del Barrio del Oeste, incluyendo la Galería Urbana. El Barrio del Oeste en Salamanca tiene sus inicios en 1570 con la fundación del Convento de Carmelitas. Actualmente las ruinas de este convento se encuentran en la Iglesia de Monte Carmelo . Es en la época de construcción del Convento de Carmelitas cuando surge el Barrio del Oeste con la construcción de casas bajas rodeando el edificio santo: en la actualidad este espacio constituye la Plaza de Carmelitas.A principios de 1960 el barrio comienza a crecer en torno a Plaza Carmelitas de manera desigual. El ensanche delimita al norte con la Avenida Federico de Anaya. Al Noroeste surgen los barrios de Vidal, San Bernardo, Pizarrales y Oeste, estructurados en base a la avenida de Villamayor (antiguo camino a Villamayor). Es en esta época cuando en el Barrio del Oeste se empiezan a construir la gran mayoría de edificios. Las primeras viviendas construidas fueron en todo el entorno del edificio religioso del antiguo Convento de Carmelitas en la actual Plaza de Carmelitas. Durante centenares de años, entre estas construcciones y el centro de la ciudad, no había nada más que campo. Información y fotografías tomadas de la página del Zoes Entrevista realizada a Mayte luego de que la USAL publicara de manera oficial su intervención en las redes digitales. Nuestro interés por acercarnos a ella y su trabajo responde a conocer su visión del barrio desde los ojos pasajeros de un chica extranjera, que imprime su perspectiva inicial apropiándose del movimiento que la Asociación de vecinos ejerce sobre la ciudad de Salamanca. Resulta interesante que la pieza final logró capturar la esencia del barrio que puede ser percibida por la gente que a diario convive en él. Esto nos lleva a reflexionar en el habla y escucha de los espacios, hay algunos que parece que han interiorizado su causa y en cada paso por sus calles explican inmaterialmente las razones de su existencia. R: ¿Cuál es el impacto del arte urbano? ¿Cómo trasciende en el espacio? MA: Pues sus alcances pueden ser muchos, me parece que depende de las intenciones y las consideraciones que cada proyecto tiene. El modificar para bien la experiencia del transeúnte, o su forma de experimentar y ejercer el espacio me parece fundamental. R: ¿Qué artistas te han estimulado para continuar con tu trabajo? MA: El trabajo de Olafur Eliasson y sus reflexiones en cuanto al espacio y el tiempo, y la experiencia de estos me ha sido sumamente significativo. De Anselm Kiefer me encantan sus xilografías principalmente, pero en general sus procesos y reflexiones en cuanto a la materia me han influido mucho. De Richard Serra y Bacherlard sus consideraciones sobre el espacio. Del proyecto de Basurama me encantan sus ideas y proyectos, sobre todo la coherencia que tienen, y los grandes alcances que han logrado son un gran estimulo, y me resulta determinante su claridad de que el enunciar desde un único campo siempre es limitante y cerrado, pues el hacer comunidad se puede y se debe hacer de distintas formas. El proyecto de Paisaje Social, también tiene muy presente el hacer comunidad, y el acercarse también a quien no está inmerso en el medio del arte, a quienes no son expertos, para generar una mejora. R: ¿Cuáles son tus fuentes de estudio y qué le puedes recomendar a los interesados en tu trabajo? MA: Los textos de Basurama me parecen imprescindibles hoy día; también Habitar del arquitecto Juhani Pallasmaa, Leer es respirar, es devenir , los escritos de Olafur Eliasson, El andar como practica estética de Francesco Careri, también se disfruta bastante Las posibilidades de una casa de Erick Alonso, Elogio de la vagancia de Guillermo Fadanelli. R: ¿Qué piensas de la producción artística actual? AM: Pues la producción cultural en general responde al tipo de sociedad de la que nace, y en ese sentido el compromiso que tiene cada artista puede ser hacia distintas cosas y sus motivos distintos. Hay una gran variedad, producciones con mucha calidad aunque no todo es reconocido, y también se están produciendo cosas light, a veces gratuitas, pero muy costosas y validadas. R: ¿Qué es lo que produces y a qué te dedicas en México? MA: Estoy terminando mis estudios de Artes Visuales, lo que tiene un poco que ver con que mi producción se ha centrado últimamente en la gráfica, estampa y dibujo, pero me interesa bastante la intervención directa de espacios públicos. R: ¿Cuál es tu perspectiva del arte en México? MA: Me parece que como en el resto del mundo hay mucha variedad, unas cosas mejores que otras. Veo qué hay una gran producción de obra gráfica, también están surgiendo muchos nuevos proyectos que buscan formas distintas de hacer las cosas y que relacionan muchas disciplinas, muchas mentes y que llegar a distintas personas, y eso me parece muy bueno. También me parecen muy buenas y ricas las relaciones que se hacen con creadores de otros países, especialmente con artistas de América Latina. R: ¿Para ti qué es viajar? MA: Creo que es una experiencia importantísima. Es enfrentarse al mundo de un modo distinto al habitual, es hacer acuerdos con lo otro, conocerlo, aportarle algo y apropiarnos de un poco de él. No creo necesario el cambiar de ubicación, de imágenes y de sensaciones para renovarnos, pero vaya que ayuda. Una cultura distinta siempre nos hace enfrentarnos a nosotros mismos, es una oportunidad para aprender, para cuestionar nuestras ideas, y llegar a nuestros lugares, y no lo digo en un sentido literal. R: ¿Cuál es el objetivo de tu colaboración en el Barrio del Oeste? MA: Pues había varios. Primero como persona externa a la comunidad me era importante sondear de alguna manera la experiencia del Barrio mismo, por sus habitantes y por los que no lo eran. También me parecía necesario mostrar eso mismo, el sentido de comunidad, en algo llamativo, al final visibilizarlo. Una parte importante de la pieza era el hacer tangible, aunque de manera un tanto poética, que el vivir en grupo, y más aún al aspirar a crear comunidad, hacer barrio, involucra a todos, y que debe de haber espacio para todas las voces; que el desear, pensar y proponer es un gran paso, aunque no el único, es un gran camino. La temporalidad y la fragilidad de la intervención también es relevante en este sentido. R: ¿Qué te inspiró a realizar este proyecto en Salamanca? MA: Pienso que fueron varias cosas. Es un proyecto que se relaciona mucho con otros anteriores, y con mis intereses de sociabilizar más las investigaciones y proyectos. María Sortino desde ese momento es una de mis grandes inspiraciones. También influyó mucho mi condición transitoria, y la intención de incluir dos grandes visiones distintas en un solo proyecto, las de los habitantes de Salamanca, la de mis compañeros mexicanos que vivimos en ella durante un mes. Y un ultimo factor que tuvo que ver con la forma de la intervención fue el invierno y los árboles caducifóleos. R: ¿Por qué Salamanca? MA: Bueno, pues por parte de la UNAM, la SEP y la USAL salió la oportunidad de cursas un seminario que me llevó allá. La idea de estudiar en esa universidad tan importante y que además es un antecedente de mi casa de estudios me pareció estupenda. R: ¿Por qué elegiste el Barrio del Oeste? MA: Estuve en la ciudad durante un periodo corto, pero aún así el Barrio del Oeste y ZOES habían llamado ya mi atención gracias a María Sortino, coordinadora del MADin de la USAL, que me compartió proyectos como el Radio del Oeste, o la Galería urbana, así que antes de llegar ya tenía ganas de andar toda la ciudad hasta el ultimo recoveco. Así descubrí que a pesar de ser una ciudad muy pequeña habían mucho interés por mejorar el barrio, por crear unión, y gracias a la asociación, era más visible en el Oeste. R: ¿Cómo crees que el arte puede intervenir en la sociedad? MA: Creo que es un medio muy rico y con múltiples posibilidades para hacer visibles cosas que a veces se dejan de lado a pesar de ser importantes y que nos afectan de muchas maneras. En este sentido, el arte que se cierra intencionalmente solo contribuye al vivir light, a medias, a las políticas jerárquicas y lucrativas, a continuar produciendo industrialmente modos de vida mediados. R: ¿En qué consiste tu investigación para la intervención que realizarás? MA: Estuve revisado varios textos sobre arte participativo, varios de Basurama sobre la precariedad como modo de cooperación, y la cooperación como medio de nutrir la abundancia. También revisé proyectos de intervención urbana, o participativos como el que se realizan en Tetuán, Madrid, el de Mesas floridas de paisaje social, o proyectos de Carmen Rossette, Javier Abad Molina, entre otros. Y por su puesto el salir a las calles, o en los pasillos o el comedor de la residencia o la universidad, preguntar a la gente de a pie. R: ¿Qué otros proyectos realizas aparte de éste? MA: Ahora mismo estoy realizando uno sobre el habitar en la Ciudad México. #Salamanca #mujeres #urbano #universidad

Durante un año, Mariana Rey M. gestora cultural mexicana egresada del Máster en Evaluación y Gestión del Patrimonio Cultural de la USAL y ex alumna de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, desarrolló el proyecto Rizomarte destinado a ser un espacio digital y físico para que los Gestores Culturales puedan profesionalizar su labor, al tener personalidad frente a organizaciones sociales e instituciones públicas y privadas. La idea, es crear una base de colaboradores de las Ciencias Humanas y Sociales para que puedan integrarse con investigación y práctica, a proyectos que poco a poco se construyen en el interior de esta organización. Actualmente el proyecto ya es una realidad, reúne un equipo multidisciplinario desde sus espacios ubicados en Calle Serranos en Salamanca y el Parque Científico de la USAL en Villamayor, trabajan para vincular arte y espacios mexicanos con españoles para abrir líneas de colaboración en conjunto. Además, alternan su labor colaborando en un proyecto de verano, con artistas internacionales en la elaboración de cuadernos artesanales, producto cultural de colección que integra toda su filosofía y bases teórica de Rizomarte que a su vez, permite generar un porcentaje de los ingresos económicos necesarios para fomentar la producción y el trabajo de creativos hasta los 45 años y de la propia organización. Durante el año 2016, este proyecto obtuvo 3 premios: 1.- Premio al proyecto por sus cualidades innovadora con el plan T-CUE 2016, financiado por el Fondo Europeo de Desarrollo Regional (FEDER) 2016 y promovido por la Fundación General de la Universidad de Salamanca. 2.- Tercer lugar al mejor trabajo de fin máster (tesis) otorgado por la Cátedra de Emprendedores CEUSAL, 2016 por destacar el emprendimiento social en todas sus fases. 3.- Premio USAL EMPRENDE 2016 en su segunda edición, que ofrece un premio económico y un lugar en el Parque Científico. El próximo 26 y 27 de abril de este año, Rizomarte promete una gran participación en el foro StarupOlé Salamanca en el que darán a conocer los artistas y espacios colaboradores, los proyectos futuros y los diarios artesanales. Este foro concentra lo mejor del emprendimiento europeo y español, destinado a impulsar el ecosistema tecnológico europeo, contará con la participación de más de 2.500 asistentes, 400 startups y más de 250 entidades entre corporaciones, aceleradoras, inversores, administraciones públicas, medios de comunicación y universidades. #internacional #mujeres #emprendimientosocial #startupole

Entrevista startups STO 2017 Realizada por Sandra Robles a Mariana Rey M. Gestora Cultural y fundadora de Rizomarte en el marco del foro europeo Startup Olé Salamanca 2017. ¿Nos podéis contar quiénes sois? * Estamos en pleno proceso de definición sin embargo, nos viene bien espacio de gestión cultural interdependiente, porque asumimos el trabajo colaborativo como una necesidad para poder actuar de manera independiente con personas que usan esta misma forma, pero al mismo tiempo es necesario ser conscientes que nos necesitamos unos a otros. Queremos lograr que los artistas se comprometan con los espacios porque eso ayudaría a crear mayor sinergia de colaboración en ambos sentidos. De izquierda a derecha: Sandra Robles, Mariana Rey y Yann Bultez, juntos conforman el equipo salmantino ¿Hablarnos un poco de Rizomarte? (Presentación Startup: nombre, año creación, sector, propuesta de valor/valor diferencial) * Ha sido fundada con el apoyo de mucha gente y el día que me enteré del premio USAL Emprende es el día de su creación formal, el 7 de octubre de 2016. Estamos enfocados en el sector cultural y trabajamos con artistas internacionales y espacios dedicados al arte. Nos basamos en la economía social y solidaria porque empata mucho con nuestros valores de intercambio. Al ser un espacio de gestores culturales nosotros generamos el trabajo para los artistas, actualmente en la mayoría de los espacios ellos son los clientes y en nuestro caso son nuestros principales proveedores. ¿Cuéntanos brevemente cuál es la historia de Rizomarte? * La verdad es que fue circunstancial. Hace un año y medio sentí que tenía que salir de la Ciudad de México, ya no quería iniciar nada allá y empecé a buscar aquí en Salamanca, fue mi primera y única opción porque me enamoré del color dorado. Llegué sin beca y desde un principio buscaba poder financiarme los gastos que iba teniendo, pero al ser extranjera no tenía muchas opciones hasta que conocí el programa T-CUE, en los requisitos sólo bastaba con ser alumna de la USAL y tener un buen proyecto. Así que utilicé la idea de crear un espacio de arte con galería y cafetería que ya había desarrollado previamente en un curso impartido por la EOI. Sin embargo, en ese momento me latió el corazón y una gran emoción me invadió porque vi la posibilidad de hacerlo real al tiempo que me daba la oportunidad de obtener un poco de dinero. Lo demás fue resultado de este primer premio porque ya no me detuve y hoy estamos aquí, con la emoción y el vértigo producido por emprender. ¿Cómo surge la idea? * La idea surge en México hace un par de años, estudié Artes visuales lo que aquí en España sería Bellas Artes y pude darme cuenta el intercambio de trabajo tan desigual que existe entre las empresas, patrocinadores y artistas. Siempre tuve la idea de cambiar eso, yo quería equilibrarlo porque me di cuenta que es una cosa de consciencia, los directores de organizaciones tienen ese poder, ellos pueden decidir cómo hacer las cosas y en la mayoría de las veces sólo piensan en su organización, salvarla o hacer entrar dinero a costa de lo que sea porque hay facturas que pagar, pero eso siempre existirá. Me interesaba formar parte del desarrollo cultural pero desde los estudiantes y egresados. Pasé por lo mismo y sé lo difícil que es que alguien te ayude cuando no tienes ninguna trayectoria, es parte del quehacer artístico pero podría ser distinto. ¿Cuáles son los tres puntos fuertes de Rizomarte? * Tenemos la fortuna de ser internacionales. El equipo es multidisciplinario y nos aporta distintos enfoques que enriquecen la perspectiva del arte, como la oportunidad de realizar investigación integrando análisis big data y la perspectiva sociológica y nuestra ubicación geográfica potencializa colaboraciones. ¿Cómo conocieron Startup Olé y por qué participan en la feria? * La conocimos porque algunos compañeros participaron en la edición anterior. En esta ocasión nos parece el mejor momento porque ya nos sentimos preparados para darnos a conocer a este nivel y dar el siguiente paso que es crear vínculos para generar las primeras acciones locales entre artistas y espacios. ¿Qué beneficios cree que puede aportar a Rizomarte su participación en Startup Olé? * Visibilidad pero sobre todo experiencia, ya que el contacto con otros emprendedores, visiones y opiniones es el intercambio más valioso que podemos obtener, es lo que nos retroalimenta y confiamos en que resultarán en cosas muy positivas. #mujeres #internacional #México #España

En esta tercera edición se prevé la participación de más de 2.500 personas, 400 startups, 200 ponentes, más de 50 aceleradoras, más de 50 corporaciones, más de 60 inversores y 25 universidades, así como administraciones públicas y medios de comunicación. Durante los días 26 y 27 de abril Salamanca acoge de nuevo Startup Olé, un foro destinado a impulsar el ecosistema de emprendimiento tecnológico europeo, y que contará con la participación de más de 2.500 asistentes, 400 startups y más de 250 entidades entre corporaciones, aceleradoras, inversores, administraciones públicas, medios de comunicación y universidades. El evento está organizado por la Universidad de Salamanca y su Parque Científico, la Junta de Castilla y León-ADE y la Comisión Europea-Startup Europe, en colaboración con SEPE, Iberdrola, Fundación Repsol, Global Exchange, Madrid Startup House, ViewNext, Europe Money 2020, Banco Sabadell, Ayuntamiento de Alcobendas y Turismo de Salamanca. En la inauguración y a lo largo del evento habrá ponentes muy destacados como Juhan Lepassar (Responsable del gabinete del Vicepresidente de la Comisión Europea Andrus Ansip), Isidro Laso (Responsable de Startup Europe, Comisión Europea), Maria Pilar del Olmo (Consejera Economía de la Junta de Castilla y León), Rodrigo del Prado (CEO de BQ), Blanca Losada Martín (CEO de Gas Natural), Isidoro Alanis (Fundador y presidente de Global Exchange), Daniel Hernández Ruipérez (Exmo. Sr. Rector Mgfco. de la Universidad de Salamanca), y Fermín Albadalejo (Presidente de CEAJE). Startup Olé cuenta asimismo con la colaboración de los siguientes grandes actores: corporaciones como Amazon, Repsol, Telefónica, Iberdrola, Ferrovial, Amadeus, Trivago, Renfe – ADIF, Correos, etc.; inversores como Demeter, Lucey Fund, Faraday, Axon Partners Group, KFund, Keiretsu Forum, Socios Inversores, Primomiglio o Ricari, entre otros; servicios de ministerios españoles como ENISA, SEGITTUR, RED.ES o el ICEX; y otras Administraciones Públicas como el Comité Europeo de las Regiones o el Parlamento Europeo; medios de comunicación como RTVE, Intereconomía, y Grupo A3 Media; así como aceleradoras y universidades de toda Europa. El evento también cuenta con más de 250 voluntarios/as, principalmente alumnos/as y antiguos/as alumnos/as de la Universidad de Salamanca. Entre las actividades que van a tener lugar se incluye una feria de startups, una competición de pitches, un evento de emparejamientos entre corporaciones y startups, las reuniones del REDEI, una reunión de las Aceleradoras de la Comisión Europea, una reunión del Grupo Salamanca Investor Club-Investor Forum, una reunión de embajadores latinoamericanos, y la reunión de la red europea de países del este, con asistencia de representantes de más de 7 ministerios de estos países. Startup Olé va a tener lugar los días 26 y 27 de abril en la Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca. Para más información, pueden visitar nuestro sitio web continuamente actualizado www.startupole.eu. #internacional #economía #redes #Salamanca

El Museo del Libro Fadrique de Basilea acogerá la Feria el 21, 22 y 23 de abril. La edición de arte es en la actualidad uno de los campos más ilimitados de la creación actual, un medio de expresión que se convierte por definición propia en un género artístico nuevo e independiente. Por este motivo, y con el ánimo de convertir Burgos en un lugar de encuentro para creadores, público y coleccionistas, se plantea por segunda vez Librarte, la Feria del libro de Artista de Castilla y León, que pretende mostrar las últimas propuestas del sector dando a conocer nuevos formatos y soportes. Durante esta edición, gracias a la colaboración de la Fundación Villalar, el Museo del Libro, y otras empresas patrocinadoras como Grupo Rice, Promecal, Garda Servicios de Seguridad o Transportes Miguel, la artista Alicia Martín presentará por primera vez en Burgos, su obra Inbreeding, una esfera de dos metros construida con más de mil publicaciones. Esta impresionante instalación, que ha podido verse en el Centro de Arte Tomás y Valiente de Madrid, o en Arezzo (Italia), estará situada en la Plaza del Mercado, en el entorno del Museo del Libro. Para la construcción de esta impresionante instalación, se convoca a los burgaleses a donar en las instalaciones del Museo, aquellos libros que quieran desechar hasta el 19 de abril, fecha en la que se concluirá la instalación. Así mismo, el público burgalés podrá ver varias cajas de luz de la misma artista en la que “nos muestra sus señas de identidad: los libros, que una vez más, parecen cobrar vida propia, creando espacios e incitando al espectador a que los lea con otros ojos, con el cerebro” como señala el crítico de arte Francisco Carpio. Alicia Martín desarrolla su obra en diferentes disciplinas, escultura, fotografía, vídeo, instalación y dibujo, siendo la escultura el campo en el que ha sido más prolífica y en la que ha obtenido mayor reconocimiento. A principios de los años 90 comenzó a trabajar con libros, el elemento que se ha convertido en una de sus señas de identidad. Los libros son la materia prima a partir de la cual elabora casi toda su obra, las composiciones que luego fotografía, los montajes en vídeo y especialmente las esculturas de gran formato, como Ibreeding, que se podrá ver en Librarte, donde cientos de libros conforman grandes estructuras creadas ad hoc (site specific) para un museo o una exposición. Alicia Martín ha expuesto de manera individual en galerías como Espacio Marzana, Oliva Arauna, Adora Calvo, Bacelos o Galleria Galica, en Milán o en salas públicas como el Centro Cultural Tomás y Valiente o la Ciudad de la Cultura de Santiago de Compostela. Asímismo ha participado en multitud de exposiciones colectivas, tanto en España como en Italia, Estados Unidos o Hispanoamerica. Utilizando, pues, el libro de una manera muy personal y original, no únicamente como contenedor de saber, memoria y conocimiento, sino como emblema de comunicación, y a veces también de incomunicación, esta artista ha levantado espacios aprovechando su evidente y constructiva fisicidad, e igualmente los ha derribado, en una suerte de voluntad tectónica y al mismo tiempo destructiva; ha poblado con estas criaturas el (aparentemente) quieto paisaje de la fotografía y el mudable territorio del vídeo; ha construido volúmenes con volúmenes impresos, incrustándolos en las paredes, o arrojándolos por sus vanos, formando cascadas de libros, como gotas prismáticas de papel; y ha contemplado cómo sus esquinas y lomos se transformaban a su vez en hirientes formas a través de las heridas de una grieta en el muro. El libro se convierte así en su objeto-sujeto de deseo (creador), en un fetiche, y al mismo tiempo en una constante referencia expresiva y plástica. ¿Qué ver en la Feria del Libro de artista de Castilla y León? En esta edición de Librarte, organizada por Acelerador de Artistas y el Museo del Libro, se ha implementado-gracias a la Fundación Villalar-, un sistema de becas para artistas de Castilla León, que disfrutarán la vallisoletana María del Carmen Díez, la leonesa Sara Ferro y la soriana Marta Pinilla. Gracias a esta beca acudirán también tres editoriales de la región; Proyecto Arte Ediciones, Los Duelistas y Zoozobra Magazine. Así mismo, y gracias al apoyo de la Fundación, se ha consolidado el Premio Librarte, para los mejores libros de la Feria a través del establecimiento de una dotación económica de 800€. En esta edición contarán además con dos proyectos invitados capitaneados por dos de los comisarios de arte más importantes de nuestro país; Rafael Doctor, director del MUSAC hasta el 2009 y recientemente nombrado director del Centro de Fotografía de Andalucía, que presentará su proyecto editorial Los Doscientos, y Noemí Méndez, crítica de arte del ABC Cultural, que acercará al público su editorial Noca Papers. Durante los tres días que dura la feria, los visitantes podrán consultar, conocer y adquirir publicaciones de los proyectos participantes, además de poder acudir a presentaciones como la de Aly Calle (Ed. Noca Paper), de la mano de la comisaria Susana Blas. Fotolibros, fanzines, libros de artista, revistas experimentales, publicaciones híbridas, libros objetos y objetos varios coincidirán en el Museo del Libro como una síntesis de lo mejor de la edición experimental del momento. Más información: www.ferialibrarte.com Elvira Rilova, Directora Librarte Directora de Acelerador de Artistas Tfno: 671547615 Museo del Libro Fadrique de Basilea Travesía del Mercado, 3 09003 Burgos‎ Tfno: 947 25 29 30 Horario Librarte: 11:30-15 y 18-21:30 Email:info@ferialibrarte. #urbano #internacional #festival

En esta ocasión la cerámica toma un lugar protagónico a través de Felipe González, resulta ser el medio por el cual logra comunicar: el poder de la naturaleza, el continuo regreso al origen de la humanidad (preserva la esencia de nuestros antepasados) la creación como un sentido a la vitalidad humana en todas sus manifestaciones. Enaltece un legado mutado en el arte. La historia en el sin fin de la imaginación. Pero también un recorrido en el que su que hacer cotidiano se convierte en un método de vida. Sin tener algún dejo de romanticismo por medio de Felipe González encontramos, que el AMOR encaminado a un acto creativo, inspira la disciplina, se refleja en la vida diaria, ejerce la plenitud de nuestras acciones; enaltece el arte. Nos hace desmentir las frases y los lugares comunes. Es decir, que cuando uno ama lo que hace, buscamos la manera de que lo que queremos se realice, comprobamos nuestras creencias para hacer de nuestro espacio un lugar de trascendencia. Nos sensibiliza para entender nuestra comunidad. Titulo: Métale cabeza Técnica: Cerámica Dimensiones: 69cm x 66cm Año: 2016 /17 ¿Qué es el arte para ti? Para mí el arte lo es todo. Es mi pasión, mi profesión, lo que me da de comer, es un amor de esos en el que piensas todo el tiempo. De igual manera es mi terapeuta y el medio por el cual expreso y plasmo todo lo que siento y vivo. ¿Qué se puede expresar por medio de la cerámica? Por medio de la cerámica se pueden expresar mil y un sentimientos. Es un medio el cual se presta para combinar varios saberes. Se puede abarcar tanto de manera tridimensional como bidimensional. Puedes realizar piezas de carácter artístico, pero también de uso utilitario. Dependiendo del interés de la persona, por medio de la cerámica se puede expresar lo que uno quiera. ¿Cuáles son tus principales temáticas en tu trabajo y por qué? El tema de la naturaleza siempre ha sido recurrente en mi propuesta plástica. La cual ha estado influenciada e inspirada por el diálogo permanente que con biólogos, antropólogos y sociólogos he mantenido a lo largo de mi proceso artístico. En mis últimas obras de cerámica y pintura he ido encontrando lazos conectores muy marcados con el tipo de formas y expresiones pictóricas e iconográficas evidentes en culturas milenarias tales como las Olmeca (México), Chavín (Perú), Mississaugas (Canadá) y San Agustín (Colombia). Es así como he ido incorporando a mi propuesta plástica una estética personal y particular de la forma como las antiguas civilizaciones y tribus de América interpretaron su universo espiritual y terrenal. ¿Admiras a algún autor o alguien importante para ti? Me gusta mucho la obra de Jean Michel Basquiat y Fancis Bacon. No son referentes ceramistas, pero admiro mucho la manera como veían el mundo y lo plasmaban en sus trabajos artísticos. Técnicamente me parecen unos maestros en cuanto a composición de formas a través del uso de color. ¿Qué te gusta leer? No soy muy buen lector, soy más observador, pero cuando lo hago, me gusta leer biografías de artistas y músicos, como también historias de América antes de la conquista. ¿Cómo combinas lo que haces con tus responsabilidades diarias? Afortunadamente tengo el privilegio de trabajar en lo que amo. Tengo un taller de cerámica en la ciudad de Bogotá – Colombia, donde realizo mi obra personal, pero también hago productos utilitarios por encargo y dicto clases de cerámica a personas con o sin conocimiento previo al material. ¿Qué te inspira al crear? Mi mayor inspiración en el momento de crear es la Naturaleza. No soy una persona del campo, pero gracias a la geografía de mi país y la variedad de climas y paisajes, he podido tener gran contacto con estos ambientes naturales, los cuales han influenciado tanto en mi manera de ver las cosas como en todo lo que hago a diario, incluido el arte. ¿Qué representa para ti cada creación? Cada creación es como tener un hijo. Es algo que sale de todo el amor y el esfuerzo tanto material como espiritual. Creo que es por eso que muchos artistas nos sentimos muy afectados cuando nuestro trabajo no es bien recibido por la crítica, y de igual forma nos sentimos tan realizados cuando les gusta la obra. ¿Cuándo no andas inspirado qué haces? Usualmente trabajo más de un proyecto artístico a la vez. Así que cuando no me siento muy inspirado con alguno de los procesos creativos, lo dejo en stand by y mientras tanto trabajo en las otras piezas que tengo en paralelo. El tiempo ayuda a esclarecer este tipo de problemas plásticos, en los cuales muchas veces uno se ve envuelto en el momento de crear. ¿Cómo llega a ti el momento creativo? El momento creativo llega creando. No creo en los artistas de fin de semana. Si uno quiere obtener resultados y que su obra tenga coherencia, hay que producir e investigar a diario. Mi momento más productivo del día, donde tengo las ideas más frescas, vendría siendo de 2 pm a 9 pm. ¿Por qué elegiste la cerámica? Cuando era niño, mis padres tuvieron una crisis económica muy fuerte. Ambos se encontraban sin empleo criando a dos niños de 4 y 6 años, y en la cerámica vieron una salida a sus problemas monetarios. Montaron un pequeño taller donde trabajaban sobre todo figuras hechas a partir de moldes. El negocio no duró mucho tiempo ya que luego ambos se encaminaron en empleos acordes a sus profesiones (sociología y física), pero ese recuerdo siempre quedó en mi imaginario. Ya adulto, ingresé a estudiar la carrera de artes plásticas y apenas culminé mis estudios, volvió a surgir esa inquietud y esas ganas de aprender sobre el material y sus posibilidades plásticas. En el año 2010 empecé a investigar la técnica. ¿Cuáles son las características que más te gusta de ese material? Lo que más me gusta del material es lo polifacético que puede llegar a ser. Debido a sus características plásticas, se puede utilizar para hacer escultura, pero también obras de carácter bidimensional. De igual manera sirve para hacer objetos utilitarios o de tipo industrial. Es un material que ha estado vigente por miles de años (desde la prehistoria) y debido a esto el conocimiento frente a éste es infinito, el cual hace que las posibilidades para su uso también sean demasiado extensas. ¿Realizas otro tipo de técnica aparte de la cerámica? Mi formación académica es en el área del Arte Gráfico, sobre todo en las técnicas de Litografía, Xilografía y Serigrafía, esto ha influenciado fuertemente en mi propuesta tridimensional. Hoy día cuando no ando trabajando con cerámica, procuro pintar, sobre todo en acrílicos sobre lienzo y murales con aerosoles y otros medios. ¿En qué consiste la técnica que utilizas y cómo la has mejorado? La cerámica es una técnica milenaria, que desde tiempos de la prehistoria ha estado presente en la cotidianidad del ser humano, ya sea para usos prácticos y utilitarios, o como una forma más artística y libre como se puede ver en las piezas en la que nuestros antepasados representaban sus deidades. Es un material tan importante, que en todo el planeta se practica este arte, y en cada región se ha venido adaptando a las condiciones ambientales y culturales de su lugar. La técnica la he ido mejorando con la práctica. Además de tomar varios cursos libres y de haber sido el asistente del maestro ceramista Rubén Durán Cerrato durante 2 años en la Ciudad de México, la constancia y la retroalimentación con otros colegas artistas, nutren día a día mi propuesta plástica. Título: Bowls Técnica: Cerámica Dimensiones: Año: 20cm x 17cm 1100° Cono 04c/u Autor: Felipe González Corredor Año: 2016 . ¿Qué significan para ti los colores? El color es un universo muy extenso. Debido a mi formación en las artes gráficas. Usualmente trabajo una paleta de color muy reducida jugando con el blanco, el negro y el rojo, pero con la cerámica esta gama se ha venido ampliando cada vez más. El uso del color en cerámica es muy complicado y llegar a su total dominio requiere de varios años de investigación. En este momento de mi trayectoria con el material, me encuentro en la capacidad de elaborar mis propios colores, basándome en formulas ya hechas, pero alterándolas con otros componentes químicos para así hacer una paleta de colores más personalizada. ¿Cuál es la diferencia entre las técnicas artesanales y tú trabajo? Yo me valgo de las técnicas artesanales para realizar mi trabajo artístico. Lo que la diferencia es el tipo de propuesta y enfoque. En mi caso, mi obra viene soportada por una investigación teórica y visual, la cual le da un soporte conceptual al resultado plástico. Lo artesanal sólo se queda en el objeto como tal. Felipe González Corredor, artista plástico graduado de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá en el año 2010. Artista residente del taller de obra gráfica González/Cerón del año 2009 al 2012. Artista residente con el proyecto de cerámica “Filias Naturalia” de la Escuela Nacional De Pintura, Grabado y Escultura “La Esmeralda” en la Ciudad de México, 2014 al 2016. He participado en varias exposiciones colectivas e individuales en países como Colombia, México y Noruega. Actualmente se encuentra dedicado a la investigación, producción y enseñanza de la cerámica artística y utilitaria en la ciudad de Bogotá.

Por un momento casi nos convencimos que lo mejor era difundir la idea de ser un espacio de Gestión Cultural Independiente, sin embargo, y aquí viene lo bonito y esencial de la práctica, estábamos redactando algunas publicaciones para promocionar la recién apertura de Rizom-arte para llevar y nos dimos cuenta la resistencia para decir - somos una plataforma de apoyo al arte emergente o somos un "nuevo espacio" para el apoyo a artistas emergente - si no hacemos eso ¿entonces qué hacemos? En este espacio llamado Rizomarte, queremos compartir los procesos de cambio, de crecimiento, de penas y de todo lo que implica crear algo. Todo eso que uno vive cuando se sale del aula para sentir la realidad. Hace poco más de un mes el término "independiente" nos parecía el más adecuado porque fuimos conscientes del panorama laboral y francamente, ahora no encontramos mucho sentido debatirlo porque nos desviamos del objetivo. La situación entre México y España, por ejemplo, mantiene una constante - la precariedad económica del sector cultural a distintos niveles. Este panorama nos invita a buscar soluciones creativas, la bien llamada innovación, para utilizar los recursos disponibles y equilibrar la vida personal, las necesidades materiales junto con los anhelos profesionales. Decíamos anteriormente, que la idea de ser independientes respondía a un fin básico: crear una organización que fuera capaz de sostenerse por sí sola pero que además, tuviera el peso necesario para colaborar con organismos y reuniera los requisitos formales para lograrlo. Hasta aquí parece que funciona, pero nos dimos cuenta que para lograr el fin último de esta organización necesitábamos integrar personas que trabajan de manera independiente pero que a su vez dependen de otras y entonces saltó la pregunta ¿Hasta dónde llega la independencia y se convierte en interdependencia? Durante 18 meses desarrollamos aspectos teóricos y prácticos que sustentan las razones de nuestra existencia, gran parte de ese trabajo aboga por atender las necesidades de los artistas e integrar conscientemente las herramientas de la Gestión Cultural. Sin embargo, en esta breve trayectoria han surgido pequeñas observaciones que nos hacen darle una vuelta para comprometernos con la interdependencia. Gandhi afirmó que la interdependencia debía ser el ideal de las personas entendiéndola como la autosuficiencia, ya que la interdependencia social ponía a prueba su fe. Al ser seres sociales estamos obligados a relacionarnos desde distintas aristas. Es una consecuencia de la especialización en un sentido positivo ya que todas sus partes están conectadas y reaccionan unas con otras. La interdependencia de trabajo entre artistas y gestores culturales no es rígida pero compromete ambas partes, es el corazón del aprendizaje colaborativo. Los profesionales debemos creer que estamos ligados con otros, de manera que si uno de nosotros tiene éxito es más probable que se dé en cadena para el resto de los miembros. El éxito responde a la división de trabajo en el que cada uno asume con responsabilidad el lugar desde donde decide colaborar. Pero ojo, la competencia por visibilidad o reconocimiento es latente siempre, tiene sus ventajas si se usa adecuadamente y se transmiten aunque no se quiera porque son percibidas por los otros además de impregnar acciones, opiniones, textos y palabras. Esta breve reflexión nos propone un ajuste inmediato que se adapta mucho mejor al resto de nuestras actividades y nos orienta respecto a la forma de proponer y recibir colaboraciones. ¿Nos compartes tu reflexión? #valor #México #Salamanca #redes #economía

La memoria y lo doméstico como punto común de tres artistas emergentes que, trabajando desde la morada y la infancia, parten hacia un nuevo imaginario donde cada una experimenta en el hogar diferentes actitudes. Un espacio donde la casa se trasforma en una celda temporal, donde nace el trauma o el destino prefijado. Con la ruptura de lo convencional se muestra un espacio íntimo, para reflejar la experiencia subjetiva externa e interna de cada autora. ​Este texto nos introduce a la primera exposición colectiva de (De) construcción, colectivo creado por Paula Valdeón, Yolanda Santamaría y Alsira Monforte. Compañeras de Universidad que unieron su producción individual porque se dieron cuenta que abordaban los temas de la casa desde perspectivas diferentes, utilizando incluso los mismos elementos. La exposición se distribuye en dos plantas de un edificio ubicado en el Barrio del Oeste que alberga el espacio de La Salchichería. La primera planta es cálida integra la intalación de Alsira "Abandono" al fondo, modificada y colocada en líneas paralelas. Del lado izquierdo Paula nos encanta con las baldosas reconstruidas, como petrificando la esencia de alguien descansando y a su lado, las reliquias de Yolanda, un montón de tenedores sustituyendo la cocina. La segunda planta es completamente fría, como un ático que huele a tiempo, se siente lleno de cosas pero la exposición muestra el vació de todo aquello que ya no hay. Algunas prendas se cuelgan en las paredes y al fondo una mesa tipo altar con su cirio encendido. Aquí, son ellas las que empiezan su camino en el mundo del arte abordando el tema singular de la casa. Ese dulce espacio que nos resguarda o que nos atrapa, que nos conduce al crecimiento o nos impide descubrir el mundo cargado de dialécticas poéticas que nos ofrecen material para sublimar la inconformidad, en este caso de los esteretipos femeninos. Siempre son interesante las perspectivas y vale la pena insistir en el derecho de decidir por encima de las tradiciones. Esta exposción podrá visitarse hasta el 7 de abril 2017. La Salchichería, Plaza del Oeste 7, Salamanca. #exposicion #Salamanca #colectiva #mujeres

El mundo contemporáneo se caracteriza por un vertiginoso aumento de la presencia de las llamadas tecnologías de la comunicación y la información en la vida cotidiana. La digitalización del mundo genera una progresiva virtualización en la que nuestra existencia se vuelca cada vez más a lo que sucede en una pantalla. El panorama académico y artístico no queda exento de este fenómeno. Sin embargo, recientemente, ha surgido una preocupación por problematizar lo material no solo como un factor histórico, sino como fuente de significación en las creaciones y exploraciones contemporáneas. En el caso particular de la teorización sobre el libro y la lectura, la pantallización social, y las posibilidades de creación, recepción y distribución que ha generado la tecnología actual, tendieron durante cierto periodo a cuestionar si la existencia objetual del libro seguiría vigente con el paso del tiempo. Y pesar de la proliferación de las manifestaciones digitales, los estudios del libro como objeto material se han encargado de enfatizar su potencialidad y la importancia de su conservación. A la hora de tratar de establecer una definición de libro se entra en una serie de problemáticas derivadas de la dificultad de considerarlo en su totalidad. Un libro no será solo el contenido textual o visual, generalmente entendido como literario; tampoco será solamente un fajo de páginas envueltas en una encuadernación específica. Es imposible separarlos, ya que el contenedor dictará y determinará en gran medida lo que suceda con el contenido y viceversa. El caso de la expresión conocida como libro de artista es un ejemplo excelente del abordaje de estas cuestiones. Existen divergencias a la hora de definir lo que será un libro de artista. Martha Hellión lo describe como una obra realizada por un artista que ha pasado por un proceso en el que ha desarrollado ideas y conceptos a partir de experiencias y vivencias a las cuales les da una solución plástica, estética o conceptual para transformarlas en obras de arte [1]. Aunque esta declaración resultan un poco vaga, en términos de que no pretende tipificar el concepto, resulta útil para comenzar a adentrarse en la materia, ya que de aquí se pueden obtener dos anotaciones importantes: la cualidad plástica y el libro como hecho experiencial. Ulises Carrión en su icónica obra El arte nuevo de hacer libros [2], genera un breve manifiesto sobre el tema. En él hace una revisión que va desde lo poético hasta lo histórico sobre el libro y las nuevas concepciones que deben hacerse de él, poniendo siempre énfasis en que el texto y lo escrito no son el factor determinante, sino un elemento más de su construcción. Independientemente de las posibles definiciones, lo que sí queda claro es que el libro de artista deberá expandir la concepción de libro, no solo usándolo como posible soporte de obras plásticas, sino problematizando su esencia, y generando la coherencia retórica que implica elegirlo como pretexto, motivo o recurso. Hablando específicamente del énfasis en la presentación de la condición objetual, material, real, del libro como contenedor y contenido, se realizará a continuación un breve recorrido a través de creaciones que ejemplifican la evolución de esta reflexión. Imagen 1. Interior del libro House of leaves, donde se aprecia el juego tipográfico y visual que contiene. El libro titulado House of leaves [3] (Imagen 1), del escritor estadounidense Mark Z. Danielewsky representa un ejemplo perfecto de la ruptura con la tradición histórica sobre el contenido de un libro. Mediante elementos que fácilmente se podrían catalogar como poesía visual, el autor genera en el interior del libro juegos tipográficos que rompen con la lectura lineal convencional, y que, a pesar de su aparente búsqueda de caos, se encuentran en coherencia con lo narrado y lo enriquecen de maneras alternas a la pura textualidad. Espacios en blanco, en negro, sobreposiciones, repeticiones, son solo algunos de los recursos presentados en este libro, que si bien no es considerado un libro de artista como tal, sí es un importante ejemplo de la búsqueda de una expansión del contenido textual canónico dentro de la estructura tradicional del objeto libro. Imagen 2. Página del libro The Word Made Flesh. La tinta posee calidades especiales que propician su transparencia. Para Johanna Drucker, una importante escritora, artista y teórica de los estudios sobre el libro y la lectura, la dimensión material se vuelve fundamental, en términos de considerar al libro no solo como un contendor de letras o signos, sino de una experiencia viva. En su obra The Word Made Flesh [4] (Imagen 2), Drucker se encarga de explorar y presentar esta condición. Tanto las páginas como la tinta utilizada para la impresión de la tipografía poseen cierta transparencia. El texto ha sido acomodado también en una manera específica. Estos factores fueron colocados con la intención de que, al realizar la lectura, el usuario de haga consciente de la condición material de la página e incluso de la escritura, como resultado del énfasis puesto en generar una diferencia de lo convencional y evidenciar que tanto páginas como letras poseen ciertas calidades matéricas, y que el libro no es un soporte aleatorio, sino que existe en sí mismo como ente material que no solamente que puede ser no solo mirado, sino palpado, e incluso olfateado. Imagen 3. Cent mille milliards de poemès y una muestra de sus posibles combinaciones Cent mille milliard de poèmes [5] (Imagen 3), es un libro del poeta francés Raymond Queneau, que, si bien, tampoco es considerado en las catalogaciones como libro de artista, de nuevo representa un ejemplo perfecto de la evolución en las ruptura de los cánones. El libro aparentemente respeta el formato de encuadernación convencional, pero al abrirlo, el lector se encuentra con un paradigma totalmente distinto. Las páginas han sido cortadas a manera de tiras, y en cada una se encuentra escrita una línea con el contenido poético generado por el autor. De esta manera, resulta prácticamente imposible leerlas en el orden dictado por las páginas, por el contrario, se abre la posibilidad a jugar con los fragmentos y construir cientos, miles de itinerarios de lectura. Imagen 4. Modo de lectura alternativa en el libro Túnel de palabras de Itzel Palacios Después de haber analizado diversas variantes tanto en el contenido conceptual, como en la estructura interna del libro, Túnel de palabras (Imagen 4) representa el desborde de la estructura externa de encuadernación. Haciendo uso de la técnica conocida como "libro túnel" se generan círculos concéntricos que serán los soportes para la escritura. Sin embargo, dicho texto se encuentra distribuido de manera desfasada en cada nivel, así que para completar su lectura será imprescindible girar el dispositivo. Entonces, la materialidad cobra vida, ya no solo se hace consciente la calidad objetual del libro, sino que se rompe con la concepción tradicional "encuadernación-páginas" al presentar una estructura de lectura que juega con nuevas variantes. Imagenes 5. Por una parte la pieza One Million Years presenta el libro impreso convencional, mientras que, por otro lado, se aprecia la ejecución de la lectura como parte de la obra. Finalmente, el artista conceptual On Kawara presenta One Million Years (Imagenes 5), pieza con la cual desborda casi completamente las concepciones de libro. La obra consiste en varios volúmenes convencionales en los que han sido mecanografiados todos los años desde 1969 d.C. (año en que se escribió) hasta el 998,031 a.C. En una segunda parte se realiza un ejercicio inverso, plasmando los años a partir de 1969, ahora hacia el futuro. A pesar de la propuesta efectivamente conceptual que plantea este ejercicio, sigue estando en un formato tradicional. Sin embargo, el ejercicio de presentación que el artista llevó a cabo representó una ruptura y una propuesta de desborde del medio convencional. En esta acción, dos personas leyeron, en la mayoría de las ocasiones en una mesa rodeada por un contenedor transparente todos los años plasmados, uno por uno, al tiempo que se realizaba una grabación sonora de la lectura. Este performance, aunque sencillo en su ejecución evidencía una clara expansión del libro en tanto que objeto, en tanto que materia a una dimensión temporal y espacial, llevándolo a un terreno completamente experiencial y generando su recepción a través de distintos medios. Existen muchos otros ejemplos de piezas que son denominadas como libro de artista. Este breve recorrido pretende mostrar como fue evolucionando la reflexión y la práctica de este tipo de creación con un énfasis en la materialidad como fuente de significación y como factor fundamental en la concepción del libro. Referencias [1] Hellión, Martha (coord), Libros de artista, Madrid: Turner, 2003. [2] Carrión, Ulises, El arte nuevo de hacer libros, México D.F.: Tumbona Ediciones: Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, 2012. [3] Danielewsky, Mark, House of leaves, EUA: Pantheon books, 2000. [4] Drucker, Johanna, The Word Made Flesh, Nueva York: Druckwerk, 1989. [5] Queneau, Raymond, Cent mille milliards de poèmes, Francia: Gallimard, 1961 Lista de imágenes Imagen 1. Danielewsky, Mark, House of leaves, EUA: Pantheon books, 2000. Fuente: http://www.intotheabyss.net/the-house-of-leaves/ Imagen 2. Drucker, Johanna, The Word Made Flesh, Nueva York: Druckwerk, 1989. Fuente: https://library.albany.edu/speccoll/artofthebook/drucker.htm Imagen 3. Queneau, Raymond, Cent mille milliards de poèmes, Francia: Gallimard, 1961 Fuente: http://www.utc.fr/~wprecip//modules/interactive/adultes/co/R_Queneau_3.html Imagen 4. Itzel Palacios Ruiz (2015), Túnel de palabras. Fuente: Colección de la artista Imagen 5. On Kawara (1969) One million years Fuente: http://www.micheledidier.com/index.php/gb/one-million-years-copy.html http://nymag.com/arts/art/reviews/53763/ #mujeres #literatura

Rizomarte se encauza como proyecto emprendedor en Salamanca, bajo el apoyo de la USAL mediante diversos programas de apoyo al emprendimiento. Destinado a ejercer la gestión cultural apoyado en el arte emergente, el proyecto está impulsado por la gestora cultural mexicana Mariana Rey Morales. Rizomarte desarrolla su segunda fase con el desarrollo de un e-commerce basado en la economía social y solidaria que utiliza los fondos recibidos para reinvertirlos en proyectos socioculturales. Tiene como objetivo ofrecer trabajo en proyectos socioculturales a estudiantes, recién egresados, sin experiencia o en situación de desempleo hasta los 45 años dedicados a las Artes teórico/práctico. Brindado así, experiencia profesional a jóvenes artistas. Participantes actualmente del programa Yuzz Salamanca, tiene previsto lanzar una campaña de crowdfunding cuyas recompensas serán libretas, bolsas de tela y postales impresas con las obras de 7 artistas seleccionados mediante una convocatoria pública. Desde el 1 de marzo Rizomarte es una de las más de 55 empresas albergadas en el Parque Científico de la Universidad de Salamanca, tras haber recibido uno de los premios “USAL Emprende”, organizados por la Cátedra de Emprendedores de la Universidad de Salamanca (CEUSAL) y el Servicio de Inserción Profesional; Prácticas y Empleo (SIPPE-Emprendimiento) y patrocinados por el Banco Santander. Actualmente cuentan con la colaboración de la empresa catalana Miquelrius y el apoyo del espacio salmantino La Calcografía. #internacional #México #Salamanca

Presentamos el logotipo oficial de este espacio que cada vez que se transforma, nos sorprende y termina por encaminarnos hacia perspectivas que no habíamos considerado. Agradecemos a los participantes que enviaron sus diseños durante los 4 meses que duró la convocatoria. Como base de inspiración se propuso la filosofía del Árbol de Porfirio que explica las sustancias y parten de lo universal a lo particular, a esta se une la teoría del rizoma que se opone al pensamiento binario, lineal y homogéneo, propuesto por el filósofo Gilles Deleuze y el psicoanalista Félix Guattari en Capitalismo y Esquizofrenia, 1972. " (...) el rizoma se basa en la participación de las partes, con una estructura similar al funcionamiento del cerebro, en que todas las áreas tienen funciones específicas pero que a la vez se conectan y modifican entre sí." El rizoma es un modelo epistemológico que responde a otra analogía botánica. Se trata un sistema de reproducción vegetativo en el que un tallo subterráneo crece en dirección horizontal produciendo raíces y nuevos brotes a partir de sus nudos (el jengibre, por ejemplo). Esta asociación supone la ruptura del sistema jerárquico, donde el tiempo y el espacio no limitan a las partes, pues los elementos no están subordinados y cualquiera puede incidir cualquier en otro. De esta manera la estructura del conocimiento no tiene principio ni final, sino que se desborda en un sistema de conexiones múltiples y heterogéneas que cambian constantemente su naturaleza. En un intento por ir más allá, nos apropiamos de la raíz en su sentido colectivo y pensamos en rizom- arte como un modelo de gestión cultural independiente que parte de cualquier punto del mundo y desde ese centro de observación, podemos conocer y descubrir sus conexiones. Uryan Lozano es el artista mexicano que ha realizado una propuesta que se conecta entre sus búsquedas personales con el sentido de una idea germinada desde hace tiempo, convertido hoy en un proyecto que empieza a moverse entre los círculos cercanos y extiende sus raíces hasta el otro lado del mundo. En redacción de Uryan: "La observación del mundo natural, en especial la imagen del árbol y el bosque han sido motivos recurrentes en mi búsqueda, no sólo porque me llevan a reflexionar sobre espacios públicos en íntimos, como la forma neuronal, el interior sanguíneo del cuerpo, las tormentas eléctricas, el movimiento del agua en el planeta, algunas formaciones celestes y el crecimiento en las urbes, sino también me sugieren una manera en que la vida se interconecta y entiende. En este sentido, el logo de Rizomarte está inspirado en la pintura Pulso II, (Ritmo Rojo) un viaje/meditación a un bosque en México, donde reconozco que el conocimiento se construye al unificar la mirada interior y exterior. El bosque ideal/material plantea la experiencia consciente de un lugar donde interactúa el cielo, la tierra, la individualidad y la familia Al final es como mirar un mapa viviente, rutas de conocimiento, que siguiendo cuidadosamente sus líneas uno aprende a unificar el pensamiento, las emociones y sus instintos, donde el observador siempre es coautor del enorme hábitat donde está inmerso. El bosque y sus árboles siempre trabajarán en comunidad" *** Uryan Lozano (Mexicano, 1989) Artista e investigador del fenómeno corporal con su entorno acústico, social y afectivo. Interesado en la integración colectiva a través de la escucha, el dibujo y el tacto. Su obra se conforma de las huellas visuales, intervenciones espaciales y registros multimedia de los encuentros que promueve. Estudió escultura en la Academia de San Carlos y producción audiovisual en la Facultad de Artes y Diseño UNAM. Dentro de su práctica artística busca la relación arte-educación. Desde el 2013 ha gestionado laboratorios, talleres y sesiones para niños, maestros, publico diverso, profesionistas y gente con esquizofrenia. Ha sido docente en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), el Museo Rufino Tamayo, la Facultad de Arquitectura UNAM, Centro de Producción de Danza Contemporánea (INBA), El Palacio Nacional (México), la Unidad de Vinculación Artística (CCUT UNAM) y el Festival Internacional de Arquitectura y ciudad: Mextrópoli 2015. Se ha presentado en el Museo de Arte Moderno, El Colegio de México, el Museo Experimental El Eco, Ex Teresa Arte Actual, entre otros. Asimismo ha expuesto piezas audiovisuales en países del Reino Unido, Australia, España, Estados Unidos y países de América Latina como Colombia, Chile y Argentina. Actualmente es profesor en programas gubernamentales para la mejora de la calidad educativa a través del arte, y es miembro de Taller Transversal, plataforma donde se desarrollan y accionan iniciativas para transformar los espacios públicos al vincular arte, pedagogía, arquitectura, ciencias biológicas y de la salud. Web: uryanlozano.com #México #espacio #convocatorias