Artistas expositores en "Temps fugaç / Temps aprecari"

Actualizado: 4 de nov de 2020


Este 22 de octubre dio inicio la transmisión inaugural de la exposición colectiva "Temps fugaç / Temps aprecari" realizada en un mas catalán, ubicada en los límites de la ciudad de Barcelona.


Información de todo el proyecto expositivo Temps fugac/Temps aprecari

https://cutt.ly/6gpXRBQ





«La masía no es una vivienda cualquiera, sino una institución jurídica y económica de categoría propia, con sus dependencias, sus campos de cultivo y sus derechos que le dan una personalidad.» Salvador Llobet,   El medio y la vida en el Montseny 1947



Hablamos de una explotación agrícola o ganadera, de tipo familiar que constituye una unidad económica constituída por la casa principal o masía, tierras de cultivo, bosques, pastos, corrales, el huerto, la balsa, palizas, bodegas, graneros, la era, márgenes y cabañas. "La existencia de la masía y su mundo es un hecho con más de mil años de historia."(...) "El mas o masía, del latín Mansu (vivienda), aparece en Cataluña hacia los siglos VIII y IX como resultado de una nueva organización del territorio a raíz de la reconquista llevada a cabo por los francos."



La exposición reflexionó entorno a 4 conceptos:


Aprecariedad

Qué es Io que persiste tras una situación disruptiva o ¿Cómo resiste?

Entendiendo al neologismo de Io aprecario, como aquello que se construye o transforma dando respuesta inmediata a una urgencia o situación de emergencia propia o colectiva. La capacidad de mostrar resistencia ante una situación disruptiva o de vulnerabilidad.


Kenopsia

Es el ritmo de Vida que cada vez va más rápido y pasamos por alto Io básico? ¿Qué es Io básico? Una portmanteau o composición lingüística propuesta por Jonn Koen'g y formada por las palabras de origen griego kénosis (vaciamiento) + opsis (observar). Se refiere a una sensación de vacío y la atmósfera nostálgica que tiene un lugar, cuando normalmente debería estar lleno de gente, pero que en ese momento está solitario o abandonado. Una situación que experimentamos actualmente al observar las plazas, calles o parques de nuestros barrios durante este confinamiento.


Evanescencias

¡Qué define Io presente?

(In)corporalidades construidas a partir del fenómeno lumínico. La proyección de la imagen crea y sitúa una co-presencia evanescente, cuya naturaleza radica en Io fugaz u efímero. Teniendo un momento único e irrepetible en la intersección entre espacio y tiempo. Pero que en cierta forma persiste a manera de impronta, en el recuerdo de quien Io presenció.


Emboscamiento

¿Dónde termina mi cuerpo y comienza el tuyo?

Aquello que se oculta. Fragmentos de lugares que se revisten con otra Piel, propiciando una diferenciación entre lo propio y lo ajeno. O por el contrario, una simbiosis entre Io depositado parasitariamente sobre un lugar aparentemente ajeno en un principio, estableciendo vínculos de correspondencia y complicidad.





El primer espacio a lucir es la torre medieval que se especula, sus inicios datan del siglo XVI. Posee grandes dimensiones, 9 metros cuadrados y 5 pisos incluyendo sótano. Sobre este espacio, se han proyectado 2 videos y 1 videopoema:


Estefania Pecero

Reescrituras / Video generativo, síntesis granular. 4´10´´ min. México, 2020

Web artista


Impronta del Covid-19 sobre la relación entre todos ¿qué imágenes y sonidos traducen el impacto? Hace bien poco se romantizaba el aislamiento y soledad, ese que se da cuando no se tienen compromisos de ningún tipo, y voluntariamente se mira y se escucha la lluvia desde la ventana. El sonido no es sólo onda, también es una cápsula que nos envuelve en líneas mentales y quizá en blanco y negro.

Estefanía Pecero es originaria de la Ciudad de México CDMX, estudiante de la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Parte de su trayectoria incluye su participación en el Taller Ser Libro del segundo encuentro FOLIO: Fotolibro Contemporáneo impartido por Julián Barón en el Centro de la Imagen de la CDMX. Participó en la realización del libro “No hay nada que celebrar mi casa está vacía” de Editorial Gato Negro. Seleccionada para cursar el taller de Prototipado de Instalación impartido por el SAT Montreal en el CCD. Finalista en la categoría de medios experimentales en el Festival Internacional de la Imagen FINI 2020. Cursó el Seminario de “Mujeres en la Transformación Digital: Programación Básica por parte del Instituto Colimense de Mujeres e IBM en colaboración con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público.



Alfredo Esparza

Ascensiones, 9’31” min., 2020

Instagram

Interesado en cómo la pornomiseria y la imagen pobre generan un mismo discurso político sobre la violencia pasiva y sistematizada que condiciona la vida moderna actual, revisé vídeos en plataformas sociales en los cuales aparecen personas aventándose al vacío con la finalidad de quitarse la vida. Estaba intrigado por el ciclo de circulación de estas imágenes; intrigado por el hecho de que alguien decidiera hacer un alto en su día a día para grabar a alguien a punto de perder su vida para luego compartirlo en YouTube, Facebook o algún otro medio. Luego alguien más, decide consumir ese material, compartirlo y también comentarlo. Si bien en la mayoría de los países el suicidio por caída representa un porcentaje mínimo, es el método más documentado de manera vernácula en el mundo.


Esta pieza, que forma parte de un cuerpo de trabajo más grande, está integrada por 13 vídeos en los que las personas en lugar de caer, se elevan hasta el lugar desde el que se arrojaron para permanecer ahí. La ascensión implica que la humanidad de todas estas personas recupera su cuerpo.


Alfredo Esparza es maestro en Estudios Humanísticos con especialidad en Historia por la UV del ITESM (2008). Egresado del Seminario de Fotografía Contemporánea del Centro de la Imagen en 2012. Algunas de sus exposiciones individuales son: Tierra de nadie en Galería 1mes 1artista en CDMX, México (2018), Terra Nullius en Ramskram Gallery en Reykjavík, Islandia (2018). Fue acreedor al estímulo “Arte Resiliente”, otorgado por la Secretaría de Cultura de Coahuila (2020), Saltillo, México


Reconocimientos: Ganador de la VII edición de Latin America Fotografía de AI-AP (2018) en New York, EEUU. Seleccionado en la XVIII Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen (2018). CDMX, México. Mención honorífica en el concurso Memoria Visible, en Medellín, Colombia (2018). Finalista y premio especial en Tercer Concurso de Fotografía Contemporánea (2017). Monterrey, México. Residencias artísticas: Curatorial Program Research en Nueva York, USA, en 2019. En Fish Factory Creative Centre en Stöðvarfjörður, Islandia en 2019 y 2017. En Listhús, Ólafsfjörður, Islandia en 2017. Trabajó de 2012 a 2015 en el Museo Nacional de Culturas Populares, donde fue jefe del departamento de exposiciones. Cofundador de “Sin Perder De Vista” (2015-2017). Su obra forma parte de la colección del Banco Interamericano de Desarrollo (New York, USA), El Museo de la Cancillería (CDMX, México) y del Museo de Artes Gráficas de Saltillo (Saltillo, México).



Rocío Cerón

Divisible corpóreo, [Divisible corporeal], 11’ 45’’, 2020’

Poesía, sonidos, voz/ Poetry, sound, voice: Rocío Cerón

Fotografía/Photo: Rocío Cerón

Experimentación sonora/Sound experimentation: Rocío Cerón & Chey Rojas

Imágenes/Images: Rafael Arriaga Zazieta

Edición/Editing: Rubén Gil


Este videopoema forma parte de la serie de piezas transmedia de la trilogía Materialidades inmateriales de la poeta y creadora Rocío Cerón (Ciudad de México, 1972). En el video, la pandemia, la arquitectura, las personas y sus silencios y murmullos, las cosas y su disposición, permanecen como testigos entre los muros de un edificio abandonado o una mesa dispuesta en una temporalidad indefinida. El poema, entendido como un objeto polisémico y múltiple en sus expansiones y plataformas, se da entonces como reflejo/testigo de la escena.



Poeta, ensayista, editora y creadora transmedial. Ha publicado, entre otros, Spectio (Tresnubes-UANL, 2019), Materia oscura (Parentalia, 2018), Borealis (FCE, 2016), Nudo vortex (Literal, 2015), Diorama (UANL, 2012; segunda edición, Amargord, España, 2013), Tiento (UANL, 2010) e Imperio (Ediciones Monte Carmelo, 2009). Recibió en Estados Unidos el Best Translated Book Award 2015 por su libro Diorama, en traducción de Anna Rosenwong (2015), el See America Travel Award (2005) por sus crónicas de viaje y en México el Premio Nacional de Literatura Gilberto Owen por su primer libro, Basalto (2000). Acciones poéticas y piezas de poesía visual y sonora suyas se han presentado en los Institutos Cervantes de Berlín, Londres y Estocolmo; Centro Pompidou, París, Southbank Centre, Londres, Museo Karen Blixen, Dinamarca, Museo de Arte Moderno, Sala de Arte Público Siqueiros, Laboratorio Arte Alameda, Galería Biquini Wax La Tallera, Sala de Arte Público Siqueiros, Museo de Arte Contemporáneo (MUAC), en Ciudad de México, entre otros. Obra suya ha sido traducida a más de ocho idiomas. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA.



Segundo espacio, Capilla. Antiguamente los emplazamientos del mas, se construían para asentar nuevas bases sociales sobre las que se construía el espacio necesario para albergar vida: comida, agua, fe.



Fabiola Torres-Alzaga

Puesta en escena (Staging), 1"28"", 2015

en loop


El video explora la manera en la que percibimos partiendo de los mecanismos de la puesta en escena en el cine, y cómo la mirada construye realidades, afectando la manera en la que nos relacionamos con lo que nombramos “real”.



Las obras de Fabiola Torres-Alzaga se ha expuesto de manera individual en la Bienal Femsa Telón de Fondo, Museo de Guadalupe, Zacatecas (2018), El Polvo que se levanta crea telones, Nora Sotres Galería (2017), Entre Actos, en el Museo del Chopo (2014); House of Games en Steve Turner Contemporary en Los Ángeles, California (2013); Porta-infinitos en la Sala de Arte Público Siqueiros en Ciudad de México (2004), entre otros. Ha mostrado su trabajo colectivamente en espacios como Lille3000 (Francia, 2019), Paul Kasmin Gallery (Nueva York, 2018), Anthology Film Archives (Nueva York, 2018), Museo de Arte Raúl Anguiano (Gdl, México, 2017), ESPAC (Ciudad de México, 2017), Proxyco Gallery (Nueva York, 2016), Maison des Arts de Malakoff (Malakoff, Francia, 2016), Museo Politécnico de Moscú (Moscú, Rusia, 2015), Museo MARCO (Monterrey, México, 2015), Laboratorio Arte Alameda (Cd de México, 2015, 2011), Museo de Arte Moderno (Cd de México, 2014), Museo Experimental El Eco (Cd de México, 2014), Museo de arte de Zapopan (Guadalajara, México, 2010), Center for Contemporary Art (Israel, 2006). Como docente ha impartido talleres en el MUAC, Centro de la Imagen, SOMA, Faro Aragón, Museo Regional de Querétaro, Centro Cultural El Rule y La Arrocera Centro de Formación de Campeche.



Aldebarán Solares

éxtasis, Video mapping (sonido estéreo), 4"20""

Instagram


Intervención de sitio específico que se desprende del proyecto Reflections of Lust, presentado en la sede de Purísima Arte Contemporáneo, en la Ciudad de México.


En colaboración con la artista Brenda Granados Segovia, esta pieza, originalmente pensada para representarse en el altar de la capilla que forma parte de la sede virreinal de Purísima, regresa a un espacio similar, a miles de kilómetros de distancia: la capilla de una masía histórica en las inmediaciones de Barcelona. En ese sitio, se erige un cuerpo violentado que descansa en el regazo de una mujer; la piel expuesta custodiada por otros cuerpos de imágenes sacras que ahora son iluminadas por una serie de proyecciones orgánicas. Las imágenes intervenidas en el espacio se transforman en luz para adherirse a una nueva superficie en la que la atmósfera sonora se mimetiza con la imagen. La experiencia produce un deseo entre lo sacro y lo profano, donde se evocan fantasmagorías que se dirigen al encuentro con lo divino.



Aldebarán Solares es un artista visual mexicano, fundador y curador de Purísima Arte Contemporáneo, un programa independiente de exposiciones, con base en la antigua capilla de la Purísima Concepción, en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Ha estudiado en la Facultad de Bellas Artes de la Universitat de València y en la Universidad Nacional Autónoma de México; fue residente en el Fragua 2019-Arte Contemporáneo Sur, Valdivia, Chile; acreedor del primer lugar del Ginnel Foto Fest en Ipswich, Suffolk, Reino Unido; Mención Honorífica en el Prix de la Photographie de París, 2018; Neutral Density Awards 2018 y primer lugar en el Festival Internacional de la Imagen, FINI 2018.

Su trabajo ha sido exhibido en México, Argentina, Australia, Chile, Ecuador, Francia, Polonia, Estados Unidos y Reino Unido.



Hápto

LICHTSäRGE : Re_animat / Ataúdes de Luz : Re_animación, 27"37"", 2020

Video-Performance

Instagram


Es una pieza transmedial de experimentación abierta e interdisciplinar. Teniendo al propio cuerpo y al entorno como hilos conductores del proceso, este apunte video-performático sobre la fragilidad y la presencia, oscila entre los nuevos medios, el arte digital, la propiocepción fenoménica del espacio, la improvisación sonora, la danza y la acción somática, tensando un diálogo entre la acción de dibujar y la de habitar un lugar. Los cuatro artistas (o habitantes) trasladan todas las emociones y sensaciones vividas durante los meses del periodo de cuarentena al espacio híbrido por medio del dibujo sinestésico en gran formato, activándose con el uso de sonidos ancestrales de la musicoterapia empleada, así como la organicidad del movimiento somático a partir de la danza. Evidenciando sus narrativas en tiempo real a los espectadores.



Háptō es un colectivo artístico conformado por los artistas Brenda Granados Segovia, Javier Márquez, Laura Muñoz y Zael von Mazon. Su práctica colectiva indaga sobre los puntos en común de los diversos canales sensoriales a los que recurre el cuerpo para re-conocerse en un lugar, aunado a las afectaciones y los efectos producidos a causa de su temporalidad.


Brenda Granados Segovia

México, 1987 | @sanaresonancia


Arquitecta, musicoterapeuta y artista sonora interesada en el carácter ritual, inquisitivo e intuitivo del proceso creativo referente a la producción de espacio y sonido. Desde su plataforma de investigación y exploración sonora, SANA resonancia, plantea el uso de instrumentos antiguos con base a la etnología para la introducción en procesos hápticos resultantes de la relación entre el emisor y el receptor. Actualmente beneficiaria del Programa de Acompañamiento 2020 de Piso 16: laboratorio de iniciativas culturales de la UNAM. Fue co-beneficiaria del PECDA CDMX en la categoría interdisciplina durante el periodo 2017-2018. Ha presentado piezas interdisciplinarias en vivo en Casa Lamm, Museo Rufino Tamayo, Ex Teresa Arte Actual así como en distintas galerías de arte, espacios públicos y privados en la Ciudad de México principalmente y en el estado de Guanajuato, Morelos y Estado de México. Asimismo ha brindado conferencias y talleres en recintos como la Antigua Academia de San Carlos, en el XIII Simposio Internacional de Posgrado en Artes y Diseño (UNAM), en la Biblioteca Vasconcelos (CDMX) y durante el Seminario de Procesos Creativos 2018 “Espacio e inventiva” IADA-UACJ (Ciudad Juárez, Chih.).

Javier Márquez

México, 1987 | @javiermarquezzz


Artista escénico multidisciplinario y docente. Es licenciado en Literatura Dramática y Teatro por la UNAM. Entre sus reconocimientos destacan: la Medalla Gabino Barreda, el Premio Nacional de Dramaturgia Joven GMC (2012), el premio en la categoría de Mejor Montaje por la obra Caín en el Festival Nacional e Internacional de Teatro Universitario (2011). Ha sido becario del Programa de Formación de Jóvenes Escritores de la Fundación para las Letras Mexicanas de 2012 a 2014 y del Programa Jóvenes Creadores del FONCA durante el periodo 2014-2015. Actualmente es catedrático del Colegio de Literatura Dramática y Teatro (UNAM), de la Escuela de Teatro, Danza y Música (UAEM) y del Centro Morelense de las Artes. También es miembro fundador y director artístico de Editorial Antropófagos y Disecciones Teatro, con diversas producciones escénicas desde 2011 a la fecha. Sus obras han sido publicadas por Editorial El Milagro, Paso de Gato, Revista Pliego 16, Ediciones sin nombre, FLM, TeatroSinParedes, Tierra Adentro/CONACULTA, FONCA, Dirección de Literatura UNAM, Editorial Antropófagos, entre otras.

Laura Muñoz

México, 1988 | @lady_cereza


Artista escénica multidisciplinaria, directora y dramaturga. Estudió la Licenciatura en Literatura Dramática y Teatro de la UNAM. Entre sus reconocimientos destacan: mención honorífica en el Primer Premio Independiente de Joven Dramaturgia TeatroSinParedes (2012) y selección en Talent Campus Guadalajara (2010) en colaboración con el Berlinale Talent Campus y el Goethe Institut dentro del Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG). Fundadora de Pin up Show Studio. Ha tomado diversos cursos de dirección con Alberto Villareal y Boris Shoemann. Ha sido coordinadora de la Muestra de Dramaturgia Universitaria (2015) y el Ciclo de Dramaturgia Argentina de la Postdictadura (2014), ambos realizados en la UNAM. Desde 2011 hasta la fecha ha dirigido, así como formado parte del elenco y producción de obras independientes entre las que destacan Crayolas Rosas (2013, 2015), El hombre que vendió el mundo (2015) de Javier Márquez, Sumario de la Muerte de Kleist (2014) de Alejandro Tantanian, Muñón (2014) de Gisela .



Elizabeth Casasola

Referencias, H.264, 19"01"" 2020

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El caminante sobre el mar de nubes, del pintor romántico alemán Caspar David Friedrich, se enfrentaba al devenir de la modernidad. Para 1818 la pintura era lo más cercano a la representación, ante la modernidad fallida hoy intento ver otros mares de nubes, el futuro en las fotografías de distintos artistas, ya no puedo salir a mirar el mundo. Me queda como último recurso mirar la pantalla del ordenador, la incertidumbre es similar a la explosión del pixel. Este es el proceso de narrar y hacer referencia a paisajes de muchos artistas. Depende como siempre de la imagen de otros para poder ver. Esta es una manera de atenuar la ansiedad de la tragedia, la pérdida del deseo.


Cada imagen, es llevada al video para narrar el cielo en un día. Claro aún tenemos los pixeles, los saltos de errores de exportación, aún recordamos que esta es una falsa presencia a lo que ansiamos volver.




Elizabeth Casasola es maestra en Artes Visuales por la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México y tiene un Master PhotoEspaña en Fotografía, Teorías y Proyectos Artísticos. Su trabajo visual se ha exhibido en México, Argentina, Perú, Alemania, Portugal, España,Japón y Australia. Fue jurado del Concurso Nacional de Fotografía de Derechos Humanos. Dirigió la Muestra y Concurso de Cortometraje de la Zona Centro, Fondo Regional para la Cultura y las Artes. Fue acreedora de una mención honorífica de oro en Tokio International Foto Awards 2017 y nominada en Photography Grant, Londres como Nuevo Talento en la Fotografía, en la edición 2018. Participa en la exposición Encuentros en tiempo presente de PhotoEspaña en el Centro de Arte Alcobendas.





Tercer espacio, Cueva. No se tienen registros oficiales que documenten su uso u existencia, pero la torre medieval se encuentra muy cerca del castillo fronterizo que hacia el año 898, se llamaba castillo de San Esteban y es mencionado en el año 898, en el acta de consagración de la iglesia de San Martín de Congost o de Aiguafreda, hecha por el obispo de Vic, Gotmar . Su dominio pertenecía inicialmente a los condes de Osona. Las noticias documentales sobre el edificio del castillo se centran en el periodo bélico de la guerra entre la Generalitat y el rey Juan II , la llamada Guerra civil catalana (1462-1472). En 1464 con una bombarda fue derribada una parte por los partidarios del rey. La capitulación llegó en abril de 1465 tras largo asedio y entonces el rey Pere IV, Llamado Condestable de Portugal, rey de los catalanes dispuso la reparación del castillo y la ampliación de las fortificaciones.


Su cercanía a este, hace pensar que dadas las condiciones de peligro y las múltiples guerras libradas en este entorno, una vía de escape habría sido necesario en todo momento. Tras la guerra civil, se cuenta que en los asedios en el pueblo de la Garriga pudo haber servido como búnker o zona de aprovisionamiento.


Los artistas presentados en este espacio son:


Proyecto Iluminacja

Daniel Araujo There is Here, 5", 2020

Formato: Super 8, b/n. Digitalizado a 1080p.

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There is Here; una piedra que logra contener en sí misma las memorias y recuerdos de su entorno, yace escondida por milenios. La mano que la recoge y atraviesa su interior y consigue desembocarlo, revelando un haz de luz de donde surgen los espectros del pasado. Estar en dos lugares a la vez, dos lugares en un mismo sitio. Tomar forma, corporalizarse y atravesar el confinamiento en la dirección de la mano.



Proyector Iluminacja es un colectivo escénico, audiovisual, interdisciplinario y transmedia en donde los principales intereses y preguntas están en el intercambio de nuestras formaciones. Nuestro encuentro y entendimiento ha sido a través de la manera en la que articulamos y transformamos las ideas en imágenes; en el tiempo que hemos compartido conversando mientras caminamos y trazamos rutas; y en donde las preguntas y observaciones han ido tomando forma en los laboratorios y ensayos.


Daniel Araujo

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(México, CDMX., 1991). Licenciado en Informática por la UNAM. Desarrolla plataformas/apps móviles que conjuntan prácticas artísticas y de urbanismo, combina tecnologías experimentales, tanto antiguas como, emergentes, con un interés particular en los medios audiovisuales análogos. Actualmente co dirige Proyector Iluminacja, proyecto que combina teatro y cine expandido en distintos formatos en digital y análogo. Su trabajo ha formado parte del Encuentro Interdisciplinar Fronteras Líquidas en el CCB-INBA; Encuentro Beckett México en el CENART.


Elvia González

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(México, D.F., 1981). Estudió Dirección de Teatro en el Colegio De Literatura Dramática y Teatro en la UNAM. Maestría Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas en la Universidad Nacional de Colombia. Diplomado En Arte Sonoro En El Centro Cultural Border. Diplomado Interdisciplinar para la Enseñanza de las Artes en la Educación Básica, CENART. Co-dirigió PROYECTOTEATRO (México-Colombia) junto al Arquitecto y Artista Visual, Andrés Castro Navia, 2008-2014. Actualmente Co Dirige Proyector Iluminacja.



Néstor Jiménez

De noche, la brutalidad resulta un lenguaje familiar, 13" 25"", 2016

Video Monocanal HD, 1920 x 1080

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Film que reconstruye, a partir de tomas de paisaje, la transición de la tarde a la noche y la mañana (en desorden); el día que erróneamente diagnosticaron a uno de mis padres con una enfermedad terminal en 1994. El film está construido a manera de collage y reconstruye la sensación de incertidumbre respecto al diagnóstico a través de tomas de arquitectura de la casa materna, que narran de forma aleatoria el día del acontecimiento donde recuerda haber estado en 1994, y acompañado por un texto, combinación de recuerdos y evocaciones musicales.



El trabajo de Néstor Jiménez (Proyectos Monclova) aborda la relación entre los procesos de construcción de memoria histórica y política así como la distorsión discursiva e iconográfica del pensamiento de Izquierda (Marxista-leninista) presente en las estructuras y movimientos sociales surgidos a partir de finales de la década los 80 en la periferia oriente de la ciudad de México. A partir de ejercicios de memoria, acciones reconstruidas y versiones inventadas de los sucesos históricos, realiza pinturas sobre materiales recuperados, provenientes de vivienda popular y residuales, que plantean versiones distorsionadas de la arquitectura y paisaje de la zona como puntos de partida para reflexionar acerca de la función política de la representación del territorio así como las diferentes formas en que la violencia, y sus resultantes son representados en los medios oficiales y su distanciamiento interpretativo respecto a la realidad nacional con la finalidad de construir un archivo plástico y antagónico al estatal acerca del desarrollo histórico de la movilización social y las tensiones políticas que este genera al insertarse en espacios, privados y estatales.





Cuarto espacio, Huerto


Alfredo de Stefano

Constellation, 2"36""

web


El anhelo del hombre es el cielo, entenderlo para entenderse. Toda superficie indica su dirección. Nuestra mirada, nuestros dedos, se dirigen hacia él. Buscamos respuestas en sus estrellas. Lo observamos otras veces oscuro; otras, en un celeste amanecer o en un rojo que incendia. Las estrellas nos miran desde la negra noche, y nosotros en trazos imaginarios las dibujamos, para orientarnos, para continuar en el camino de la incertidumbre de no haber entendido nada.



Alfredo de Stefano es considerado uno de los fotógrafos conceptuales contemporáneos más importantes de México. Su pasión es el paisaje y específicamente el del desierto, panorama que ha recorrido infinidad de veces fotografiándolo e interviniéndolo. Desde el 2008 trabaja en su nueva serie, Tormenta de luz y que se desarrolla en diferentes desiertos del mundo. En su haber se encuentran mas de noventa exposiciones, entre individuales y colectivas, y su trabajo se ha expuesto en los cinco continentes, así como en diferentes capitales del mundo como: México, París, Sao Paulo, Nueva York, Washington, Madrid, Bogotá, Lima, Buenos Aires entre otras.Gestor cultural y director del Concurso de Fotografía Contemporánea de México y el de Latinoamérica, así como del Festival Internacional de Fotografía Luz del Norte en Monterrey, N.L. México. Dirige y fundó la organización sin fines de lucro Luz del Norte Fotografía, A.C. dedicada a promover y difundir la diversidad de la fotografía latinoamericana a través de variadas plataformas.



Perla Ramos - Mariana Rey M.

Borde, Video performance, 5"03"" 2019 - 2020


Al tomar la realidad como soporte la intención no es reproducirla, sino cuestionarla. No de lejos, no a la distancia, sino en una especie de relación entre cuerpxs y lugares. Desde una correspondencia sensible y crítica sobre los modos espaciales de percepción y participación; caminar sobre espacios limítrofes da cuenta de las apropiaciones colectivas que se inscriben en ciertas particularidades intangibles, efímeras, cambiantes, dinámicas, movibles y no controladas. Para preguntarse dónde termina mi cuerpo y comienza el tuyo, es así que la acción de caminar es una conversación en donde surgen expectaciones sobre el territorio y las posibilidades de acción: ¿Cómo habitar estos tiempos convulsos?



Perla Ramos utiliza la escultura, el dibujo y la performance para realizar su práctica artística. Traslada el discurso de su obra a espacios de acción política, la cual transita entre historias oficiales y narrativas ficticias. En sus proyectos de sitio específico, indaga sobre la idea de lo monumental y lo fragmentado. Cursó la maestría en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Estudió la Licenciatura en Artes en la Universidad Autónoma de Estado de Morelos. Ha participado en diversas exposiciones en México, Argentina, España, Brasil, Ecuador y Puerto Rico, así como en residencias, bienales, talleres y ponencias en relación al espacio público; ha sido beneficiaria de becas para estudios y proyectos artísticos (PECDA, UNAM.) Formó parte de los colectivos: Inmobiliaria de Arte y Grupo de Incursiones Artísticas Metropolitanas.



Valentina Maldonado

Judía verde, Micro-proyección, 2"

(loop)

web


Judía verde es una video-instalación que se proyecta sobre una plantación de judías verdes. La imagen del video es en verde fluorescente y muestra un personaje femenino que habita el recinto ocupando distintas locaciones del lugar (a través simulaciones). Este personaje promociona latas de judías verdes cosechadas ficticiamente ahí. La obra es un sitio específico que toma como tema el propio espacio arquitectónico y sus alrededores para establecer un relato que habla tautológicamente del verde. Este surge a partir del nombre de las judías, utilizando una proyección lumínica del mismo color sobre la plantación de estas vainas.



El trabajo de Valentina Maldonado reflexiona sobre los mecanismos, recursos y soportes de construcción de las imágenes en movimiento. A través del propio video y sus soportes propone preguntas que conducen al espectador a dimensiones exteriores al recorte videográfico. Su principal interés se centra en las diversas formas en que el video puede habitar un espacio físico. Por esta razón fabrica dispositivos o acopla pantallas con el propósito de que el material audiovisual se vuelva uno con el artefacto que lo posibilita. Es por esta razón que su obra toma muchas veces un sentido escultórico, escénico, performativo e incluso literario. Esto, sin contar los elementos conceptuales y simbólicos inherentes a los signos presentes en ella.





Ático


Arkadiusz Sylwestrowicz

The Bruegel’s Tea, 10"31"", 2020

@arkadiuszssylwestrowicz


Este filme se realizó en 2009, el título hace referencia al trabajo pictórico de Pieter Brueghel el Viejo. En el momento de ser rodada, su recepción fue completamente diferente a la actual. Hoy en día, el mundo se encuentra aislado, lo que ha cambiado el contexto de interpretación de la obra. Inicialmente el filme muestra a un grupo de personas que han decidido aislarse del mundo exterior por iniciativa propia. Sin embargo la lectura de la misma imagen vista una década más tarde en 2020, sugiere una interpretación completamente distinta. Con ello espero que la imagen sea universal y resista a la prueba del tiempo.



Arkadiusz Sylwestrowicz estudió en la Academia de Bellas Artes de Gdańsk. Es director del Knowledge of Visual Movements and Structures Studio en la Facultad de Pintura. Es también un pintor abstracto, cuyo arte se ocupa en sí mismo. Director de video y creador de objetos, Sylwestrowicz experimenta con la materia del bastidor y busca nuevos métodos de pintura. Sus obras han sido expuestas en sitios como el Museo Nahim Isaías de Guayaquil; Foksal Gallery en Varsovia; ArtVilnius, Galeria Wschodnia, Łódź; CAA Laznia; Gdańsk; CAA Ujazdowski Castle, Varsovia; National Museum-Abbots’ Palace, Gdańsk; Bienal Nomade en Cuenca; Museo de Arte Contemporáneo en Santiago de Chile. Sus obras también se encuentran en las colecciones del Museo de Arte de Łódź, el National Museum-Abbots’ Palace en Gdańsk, Foksal Gallery y el Museo de Arte Moderno de Varsovia; Art Centre Gallery EL en Elblag, BWA Gallery en Olsztyn y el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile.



Malitzin Cortés

Generative Promenade (o coleccionista de pesadillas)

Live coding con super Collider, Tidal cycles y Pure data, controlando videos en tiempo real con patrones algorítmicos.

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En el encierro (a veces sin él), navegamos en google maps por los lugares que más nos gustan o por los que más odiamos, por los videos que nos recuerdan esos lugares o con quienes transitamos y habitamos esos espacios. Esta sesión es un paisaje sonoro y generativo que se viaja y tiene su no espacio en la Web, utilizando el Live Coding, registros de video personales y de Creative Commons como una bicicleta. Generative Promenade surge como propuesta de paseo colectivo desde el confinamiento hacia la pantalla, cuenta una historia no lineal, que va de lo personal a lo masivo, utilizando al navegador como transportador, fusionando código en pantalla, interfaces de sonido y videos rescatados de la Lagunilla (CDMX) de autores anónimos.



El trabajo de Malitzin Cortés se desarrolla entre el live coding, live cinema, instalación, Realidad Virtual, arte generativo, diseño sonoro, música experimental y arte sonoro. Es docente e investigadora en la universidad CENTRO. Ha realizado actos en vivo y exposiciones en Centro Multimedia, Laboratorio de Arte Alameda, Ex-teresa arte Actual , Centro de Cultural Digital, Medialab Prado, Centro Cultural España, CMMAS, Vorspiel ,Spektrum Berlín ,Transpiksel, Aural, Transmediale Berlín, ISEA , CYLAND MediaArtLab San Petesburgo, ADAF, Ars Electronica, Currents, MUTEK México, Montreal y San Francisco. Como artista, investiga las formas en que el arte, la arquitectura, la tecnología y la ciencia tienen la capacidad de ser grandes difusoras de hallazgos y dispositivos para la autorreflexión y generación de modelos inéditos de interacciones sociales capaces de proporcionar nuevas formas de relacionarnos desde la utopía, la especulación, el espacio físico, la realidad, el constante estado de crisis y también la esperanza.



Roberto Camargo

OPHIDIA, Ciudad de México, 5" , 2020

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Ophidia es parte de una investigación sobre una hierba en México que tiene distintos usos, tanto medicinales como rituales. Esta obra es creada a partir de la relación de Yauhtli con las tormentas. La narración tomada como referencia es un fenómeno meteorológico que está relacionado con una serpiente, la lluvia y la agricultura.



La obra de Roberto Camargo ha sido seleccionada en festivales internacionales como Rossinière-Suiza “Festival Alt+1000”, en Brasil 10 Festival “Paraty em Foco”, en Glasgow- Escocia “Festival Frames”, en Chile “Feria Internacional del Libro de Santiago” (FILSA). En México su producción ha sido parte de exposiciones en las ciudades de Puebla, Oaxaca y Ciudad de México, en esta última fue parte de la Primera Bienal Héctor García. En 2018 participó en la exposición internacional “RE-PRESENTANDO THEIR NATION IS NO MY NATION”, de la galería Decentered Gallery en la ciudad de Puebla. Su trabajo forma parte de la plataforma PICS, página web que reúne al panorama de la fotografía emergente y contemporánea producida desde México.




En este video contextualizamos el entorno, y presentamos las 15 obras que recorren el interior de la masia entre el 22 y el 26 de octubre.



Información de todo el proyecto expositivo Temps fugac/Temps aprecari

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